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Tatsächlich... Liebe wirkt wie der Marathonlauf aller romantischen Komödien, denn hier wetteifern nicht weniger als acht Liebespaare um die Aufmerksamkeit des Zuschauers, und jedes gewinnt dabei. Nachdem er innerhalb des Genres mit Filmen wie Vier Hochzeiten und ein Todesfall, Notting Hill und Bridget Jones. Schokolade zum Frühstück als Autor Erfolge feiern konnte, scheint es, dass der erstmalige Regisseur Richard Curtis genau so ist wie seine Drehbücher: Er will einfach nur geliebt werden und er würde alles Mögliche dafür tun.

In Tatsächlich... Liebe orchestriert Curtis ein kleines Wunder an romantischer Choreografie, er dirigiert eine hervorragende Riege von Stars und unbekannteren Schauspielern, die in London in Richtung Liebe und Weihnachtsfreuden stolpern. Darunter der Premierminister (Hugh Grant), der in seine Köchin verknallt ist, ein Witwer (Liam Neeson), dessen Sohn dem ultimativen Schuljungentraum hinterher jagt, ein Schriftsteller (Colin Firth), der sich in seine portugiesische Haushälterin verliebt, eine hingebungsvolle Ehefrau und Mutter (Emma Thompson), die sich um ihren wahrscheinlich untreuen Ehemann kümmert und eine Amerikanerin mit Liebeskummer (Laura Linney), die sich voller Verzweiflung zu einem Kollegen hingezogen fühlt.

Und es gibt noch mehr: Curtis wickelt sein Weihnachtspaket in genügend Happyends ein, um ein weiteres Dutzend Filme damit zu versorgen. Dass ihm dies derart unterhaltsam gelingt, ist zweifellos beeindruckend, aber er tut dies ziemlich schamlos, und es kommt einem der Gedanke, dass seine Fähigkeiten als Autor vielleicht besser bei Regisseuren aufgehoben sind, die sich nicht ganz so sehr beim Publikum einschmeicheln wollen. --Jeff Shannon

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Wenn man sich Australia anschaut, gibt es keinen Zweifel, wer dafür verantwortlich sein könnte: es kann sich dabei nur um einen Film von Baz Luhrmann handeln, jenem schrägen Typen, der alles immer übertreiben muss. In diesem 165-minütigen, altmodischen Loblied auf sein Heimatland reist Luhrmann zurück in die späten 30er/frühen 40er Jahre und schafft ein Szenario, das seinerzeit auch gut zu MGM gepasst hätte. Die sittsame Lady Sarah Ashley (Nicole Kidman) reist nach Down Under und wird unter den Schutz eines raubeinigen Viehtreibers (Hugh Jackman), der unter dem Namen Drover bekannt ist. Als sich die beiden zusammenraufen müssen, um gemeinsam mit einer wild zusammengewürfelten Bande von Außenseitern eine Viehherde durch die feindliche Landschaft zu treiben, kommen sie dabei den hinterhältigen Plänen des örtlichen Rinderbarons (Bryan Brown) und dessen ebenso bösartigem Handlanger (David Wenham) in die Quere. Irgendwann merkt man dann auch, dass es hier nicht wirklich um Rinder geht: Luhrmann schafft mit seiner üblichen überschwänglichen Begeisterung ein Melodrama und einen altmodischen Höhepunkt nach dem anderen. Und wenn er dabei ?When You Wish Upon a Star? und die Japanische Luftwaffe unterbringen muss, ist ihm das auch Recht. Für jene, die ihre Freude an Unsinn ohne jeglicher Ironie haben, mag das das Richtige sein, aber selbst Fans von Luhrmann werden in ihrer Geduld auf die Probe gestellt angesichts der komödiantischen Einlagen und der offensichtlich nicht vorhandenen Chemie zwischen Nicole Kidman und Hugh Jackman. Australia mag die Vorurteile der Australier gegenüber den Aboriginals anprangern, aber in diesem Zusammenhang ist das nicht wirklich ein Pluspunkt. -- Robert Horton

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• 20th Century Fox Home Entertainment Walk the Line, Freigegeben ab 12 Jahren Drama

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Walk the Linezeichnet die ersten 30 Jahre im Leben von Johnny Cash nach, dem legendären ?Man in Black?. In James Mangolds Biopic begeistern vor allen Dingen die beiden Hauptdarsteller, Reese Witherspoon und Joaquin Phoenix.

Das Biopic, also die filmische Entsprechung einer Biographie, ist möglicherweise das undankbarste aller Film-Genres.

Das liegt in erster Linie an der vorgegebenen Struktur, die sich notgedrungen am Leben der zu verhandelnden Person festmachen muss und an dem dramaturgischen Zwang, eine komplexe Biographie in die Form einer Initiationsgeschichte zu pressen. Grundsätzlich muss ein Biopic also immer vereinfachen. Im Fall von Walk the Linehaben die Filmemacher die zu beackernde Fläche zumindest ein wenig eingeschränkt, indem sie sich auf die ersten 30 Jahre eines wechselvollen Lebens beschränkt haben.

Dennoch erliegt der Film der Versuchung von Dramatisiserung im konventionellsten Sinn. Regisseur James Mangold zeigt sich letztendlich weniger interessiert an der Entstehung einer Ikone als an der Zuspitzung auf eine leidenschaftliche Liebesbeziehung. Aus dieser Entwicklung heraus wird sehr viel erklärt, für manchen Cash Fan womöglich zu viel. Resultat ist ein überraschend biederer Film, der dem Outlaw Image seines Betrachtungsgegenstandes kaum Rechnung trägt.

Das soll jedoch nicht bedeuten, dass Walk the Lineein schlechter Film wäre.Das Gegenteil ist der Fall. Es ist aber weniger ein Film über eine der faszinierendsten Persönlichkeiten der Musikgeschichte als über die Kraft der Liebe, über die Unschuldigkeit des Business in den frühen Jahren des Rock´n Roll und, in seinen besten Momenten, über die Wirkungsweise von kreativen Entstehungsprozessen. Und es ist natürlich ein Schauspielerfilm voller mitreißender Momente. Sowohl Joaquin Phoenix als auch Reese Witherspoon überzeugen in den Szenen sowohl auf als auch abseits der Bühne.

Die Gesangseinlagen der beiden Schauspieler zählen zu den gelungensten Versuchen Hollywoods die Magie von Livekonzerten einzufangen. Aber auch die intimen Momente gelingen mit schlafwandlerischer Sicherheit. Joaquin Phoenix Kampf gegen die Dämonen einer Kindheit, die zerstörerische Leidenschaft einer Liebe und nicht zuletzt die kathartische Wirkung von Musik.

--Thomas Reuthebuch

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Freiheit, Fotos, Frauen ? auf diese drei Fs fokussiert Mode-Fotograf Connor Mead (Matthew McConaughey) sein Leben. Eiskalt serviert er drei Damen per Videochat-Konferenz ab, während sein nächstes Betthupferl vom Sofa gegenüber aus amüsiert zusieht.

Endlos könnte es so weiter gehen, doch dieses Wochenende rufen familiäre Pflichten. Connors kleiner Bruder Paul (Breckin Meyer) heiratet die perfektionistische Sandra (Lacey Chabert) auf dem Anwesen des mittlerweile verstorbenen Onkels Wayne (Michael Douglas), von dem Connor als Teenager einst das Womanizen lernte.

Während Connor auf der Feier von einem Fettnäpfchen ins nächste stolpert, ist seine Ex-Freundin Jenny Perotti (Jennifer Garner) ständig darum bemüht, das entstehende Chaos einzudämmen. Als Connor von Onkel Waynes Geist auf eine nächtliche Odyssee geschickt wird, bei der er den Geistern seiner bisherigen, gegenwärtigen und zukünftigen Beziehungen begegnet, droht die Hochzeit zu platzen...

• FSK 12

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"Bloody Pirates!" -- Verdammte Piraten, das ist wohl der von allen Akteuren meistgebrauchteste Fluch überhaupt. Selbst die Piraten in Fluch der Karibik schimpfen über die Piraten. Aber ganz ehrlich, bei diesem Film sollte sich keiner ärgern müssen. Jerry Bruckheimers karibischer Kanonenzauber der Superlative lässt sich nämlich auf eine äußerst griffige Formel bringen: Wr macht einfach Spaß!

Worum geht's? Der junge Waffenschmied Will Turner (Orlando Bloom) mit mysteriöser Herkunft liebt die wunderschöne Tochter des Gouverneurs, die von Kick it like Beckham-Überraschung Keira Knightley gegeben wird. Als diese vom ebenso sinistren wie ruchlosen Captain Barbossa (Geoffrey Rush) entführt wird, gibt es für den jungen Draufgänger weder Standesschranken noch ein Halten: Die Liebe seines Lebens muss gerettet werden. Wenn es sein muss auch mithilfe des etwas exzentrischen Captain Jack Sparrow (Johnny Depp).

Zugegeben, Captain Jack ist nur dank Wills Mithilfe im Gefängnis gelandet, aber die beiden Männer haben plötzlich ein ähnliches Ziel: Will möchte Elizabeth retten und Sparrow sein Schiff "Black Pearl" zurückhaben. Und beide befinden sich nun einmal in der Gewalt von Barbossa. Obwohl sich die Männer kein Stück über den Weg trauen, setzen sie sich mit der britischen Flotte im Gefolge auf die Fersen des Erzpiraten Barbossa. Man sollte allerdings auch Barbossa ein wenig Gerechtigkeit widerfahren lassen. Klar, der Kerl ist durchtrieben, böse, hinterhältig und gemein. Aber wer sich einen solchen Fluch eingefangen hat wie er und seine Mannschaft, will den unter allen Umständen und sämtlichen verfügbaren Mitteln wieder loswerden.

In prallen 143 Kinominuten wird wirklich alles geboten, was der Vergnügungssüchtige auch nur ansatzweise erwarten könnte: grandiose Aufnahmen, Action, spaßige Dialoge mit außerordentlichem Hang zur Selbstironie, ein monumentaler Soundtrack aus der Feder von Klaus Badelt, exzellente Spezialeffekte -- diese Skelette setzen Maßstäbe -- und ein Johnny Depp, der die Lächerlichkeit zur absoluten Kunstform erhebt. Jeder andere hätte den exzentrischsten Piraten seit es Kino gibt mit Leichtigkeit zur Witzfigur gemacht. Aber nicht Johnny Depp. Mit Rastalocken, Goldzähnen und dickem Kajal unter den Augen bewaffnet, verleiht er seinem charmanten Abenteurer absolute Würde. Fazit: Der Piratenfilm ist tot -- es lebe der Piratenfilm! --Constanze Pappert

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WÄCHTER DER WÜSTE dokumentiert in atemberaubenden Bildern das aufregende Leben einer Erdmännchen-Familie in der Kalahari-Wüste. Der Film erzählt von der Geburt des kleinen Erdmännchens Kolo, seinem Aufwachsen und den täglichen Herausforderungen in der Wüste. Kolo macht seine ersten Schritte in eine Welt voller Abenteuer und tödlicher Gefahren und lernt vom großen Bruder die entscheidenden Lektionen zum Überleben. Denn um in der Kalahari groß zu werden, muss man wachsam sein, seine Feinde kennen und auch während der Dürre genügend Nahrung finden.

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Die beiden irischen Auftragskiller Ken und Ray haben ihren letzten Job vermasselt. Ihr Boss, der skrupellose Gangster Harry, hat sie deshalb nach Brügge geschickt, um dort eine Weile unterzutauchen und unauffällig den nächsten Auftrag abzuwarten. Ken, der ältere von beiden, macht das Beste daraus und genießt als Tourist die zahlreichen Sehenswürdigkeiten der wunderschönen mittelalterlichen Stadt. Für Ray, den Flegeljahren offenbar noch nicht ganz entwachsen, ist Brügge jedoch ein elendiges Nest, in dem er sich prompt neuen Ärger einhandelt. Geplagt von quälenden Schuldgefühlen ob seiner letzten Tat, hadert er zudem mit seinem Schicksal, das ihn ? in Harrys Auftrag ? durch Ken auch alsbald ereilen soll.

Die märchenhaft in Szene gesetzte Kulisse des weihnachtlichen Brügges gibt den idealen Rahmen ab für diese im Grunde tragische, aber auch mit einem Schuss klassisch englischen Humors gewürzte Geschichte über Moral und Gewissen, Schuld und Sühne und Prinzipientreue und Ehrenkodex unter Gangstern. Jeder sagt, was er denkt, und handelt auch entsprechend, was nicht immer für alle Beteiligten glimpflich ausgeht, aber dem Zuschauer großes Vergnügen bereitet. Colin Farrell, Brendan Gleeson und Ralph Fiennes laufen als Gangstertrio zu Höchstform auf. Allein ihr Mienenspiel ist absolut sehenswert und bedarf keiner weiteren Worte.

Richtig surreal wird es, als ein kleinwüchsiger amerikanischer Schauspieler ins Spiel kommt, der gerade in Brügge einen Film dreht, in dem die symbolträchtigen Gemälde eines Bosch oder Brueghel lebendig zu werden scheinen. Vom Stil her mag Brügge sehen... und sterben? entfernt verwandt sein mit Filmen wie Snatch oder Layer Cake. Inhaltlich gesehen handelt es sich bei Martin McDonaghs meisterlich gelungenem Spielfilmdebüt aber vielmehr um eine kunstvolle Auseinandersetzung mit hoch moralischen und philosophischen Gedankengängen. Und natürlich um einen filmischen Reiseführer über das romantisch-verträumte Brügge, der nichtsdestotrotz in Gestalt eines brutalen Gangsterdramas daher kommt. Am Ende wird es dann auch noch einmal richtig blutig. Dennoch hat der Film ? ähnlich wie Spuren im Sand - das Zeug zum Weihnachtsklassiker: Nicht umsonst trägt die schwangere (!) Gastwirtin den Namen Marie.

Der Soundtrack von Carter Burwell ist ein wahrer Ohrenschmaus und passt perfekt zur melancholischen Grundstimmung und Thematik des Films. Auch die DVD-Ausstattung ist rundherum gelungen. Das Bonusmaterial enthält mehrere, sehr interessante Featurettes, die mit viel Liebe zum Film ? und natürlich zu Brügge! ? erstellt wurden sowie etliche zusätzliche Szenen und Patzer von den Dreharbeiten. Absolut empfehlenswert! -- Birgit Schwenger

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• FSK 12

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Auf der seltsamen Nostalgiewelle der 50er Jahre reitend, die in den späten 70ern über Amerika schwappte (ausgelöst durch TV-Serien wie Happy Days und Filme wie American Graffiti), wurde Grease 1978, wie in dem gleichnamigen Titelsong, nicht nur die Parole, sondern auch ein riesiger finanzieller Erfolg und ein kulturelles Phänomen.

Zwanzig Jahre später erlebte diese unterhaltende Adaption des Broadway Musicals eine weitere erfolgreiche Wiederaufführung, die mit digital verbesserter Bildqualität und einem Soundtrack im Dolby Surround aufwartete. Für die Veröffentlichung auf Video wurde den Fans Rechnung getragen und der Film im Original-Kinoformat belassen.

All diese stilistischen Feinheiten tragen wesentlich zum Erfolg des Films bei. Ohne diese wunderbar choreographierten Tanzsequenzen im Kinoformat, die lebendigen Farben und die unvergesslichen Ohrwürmer (wie "Greased Lightning", "Summer Nights" und "You're The One That I Want") würde der Film allein von seiner albernen und mit Klischees gefüllten Geschichte abhängen, die wir schon tausendmal gesehen haben. Aber so, wie der Film jetzt auf Video erhältlich ist, bleibt die episodenhaft angelegte Geschichte über romantische Konflikte, die eine Gruppe von High-School-Absolventen erlebt, frisch und unglaublich einfallsreich. Die jungen und lebendigen Darsteller verdienen eine Menge Respekt, da sie Energie und die richtige Chemie in eine ansonsten langweilige Vorlage bringen.

John Travolta, der direkt von seinem Erfolg in Saturday Night Fever zu Grease kam, weiß um seine sexuelle Anziehungskraft und stolziert wie ein Gockel, gibt an, singt und tanzt dementsprechend, während Olivia Newton-Johns Darstellung von jungfräulicher Unschuld die einzige gute schauspielerische Leistung ihrer Laufbahn war. Und dann ist da noch Stockard Channing (Practical Magic - Zauberhafte Schwestern) als Rizzo, die boshafte und sich Gehör verschaffende Anführerin der Pink Ladies, die sexuelle Zweideutigkeiten von sich gibt und beiden Stars die Show stiehlt. Die Fortsetzung zu Grease, Grease 2, gehört nicht unbedingt ins hauseigene Videoarchiv. --Dave McCoy

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Als Ronin bezeichnet man in Japan einen Samurai, der seinen Führer verloren hat. Einen Ronin stellt auch Robert de Niro dar, der in dem Film gleichen Namens einen ehemaligen amerikanischen Geheimagenten spielt, der seit dem Ende des Kalten Krieges in einer Welt umhertreibt, in der die klaren Ziele und Vorgaben, nach denen er früher gelebt hat, verloren gegangen sind. Um in dieser Welt nicht endgültig unterzugehen, bietet er seine Dienste daher heute jedem an, der ihn bezahlt. So gehört er auch zu einem international zusammengewürfelten Team ehemaliger Kalter Krieger, die in Frankreich für eine Mission angeheuert werden. Eine Mission, die darin besteht, einen Koffer zu stehlen, den sowohl irische Terroristen wie auch russische Mafiosi heiß begehren.

Während der Aufstellung eines Planes geht de Niros Figur eine Freundschaft mit seinem französischen Ebenbild (Jean Reno) ein. Und eines lernen wir als Zuschauer sehr schnell: Freundschaften sind in der Welt, in der die beiden leben, etwas sehr seltenes. Es gibt auch mehr oder minder eine kleine Romanze zwischen ihm und seiner irischen Auftraggeberin (Natasha McElhone) und es gibt einen Konflikt innerhalb des Teams, als sich herausstellt, dass einer von ihnen (Sean Bean) keineswegs ein Ex-Agent ist, sondern lediglich ein kleiner Ganove, der auf schnelles Geld und ein bisschen Abenteuer aus ist.

Die Handlung aber ist weitestgehend nur eine Nebensächlichkeit -- es ist viel interessanter anzuschauen, was der legendäre Regisseur John Frankenheimer (French Connection 2) aus diesem Stoff macht. Seine Art, Action zu inszenieren, ist atemberaubend. Frankenheimer verfällt nicht der Versuchung, mit jedem Stunt größere und bombastischere Effekte zu erzielen. Vor allem die fast schon legendäre Autojagd zur Mitte des Filmes besticht durch ihr unglaubliches Timing und ihrem Realismus. Natürlich kann man nörgeln, Frankenheimer biete dem Zuschauer nichts Neues, sondern zitiere nur Ideen aus früheren Frankenheimer-Filmen. Und vielleicht präsentiert der Film inhaltlich tatsächlich wenig Neues. Dennoch ist es großartig, sich dies anschauen zu dürfen. --Tom Keogh

Amazon.de DVD-Bewertung

Die DVD-Version beinhaltet neben der deutschen Version übrigens auch die englische Originalfassung. Und der Surround-Ton während der zahlreichen Actionszenen pustet einen selbst dann, wenn man keine Dolby-Surround-Anlage besitzt, aus dem Ohrensessel. Als weitere Extras gibt es unter anderem einen durchgehenden, äußerst interessanten Audio-Kommentar von Regisseur John Frankenheimer (allerdings auf Englisch) und ein alternatives Filmende! --Tom Keogh